10 de agosto del 19

10/08/2019 § Deja un comentario

Hoy, 10 de agosto, hace 50 años que se celebró el primer Trofeo Enrique José Biescas Viñao, también conocido como EBU, primer campeonato de surf celebrado en España, que a decir de los analistas, dio inicio al movimiento surfero que conmocionó la costa y ha poblado la orilla.

Era domingo, las 11 de la mañana y en la playa se iban reuniendo surfistas venidos de todo el Cantábrico. Eran más de los esperados, pues a pesar de que la organización no confiaba en que acudieran más de una docena de surferos, fueron 36 los que se apuntaron y que llenaron la playa con sus acompañantes. La prensa se hizo eco del evento a nivel nacional, cubriendo revistas y diarios el campeonato.

La inexperiencia de la que todos hicieron gala desarrolló el arte de la improvisación, resolviendo los problemas según iban apareciendo, desde las camisetas con números pegados de AironFix que se despegaban al mojarse, hasta la elaboración de las mangas, así como la selección de jueces, las puntuaciones y un largo etcétera que se resolvieron gracias a la buena voluntad de todos.

Resultó ganador Javier Arteche, de la saga de los Arteche, leyenda donde las haya del surf en el país, formada por los tres hermanos Iñaki, Jose Mari y Javier, a las que tanto debe este deporte.

En la Fiesta Hawaiiana que se celebró por la noche y creó estilo, se entregó el único trofeo del Campeonato, valorado en 7000 pesetas de la época (42,16€ de hoy) que se compró con 70 monedas de 100 pesetas que la organización había ahorrado durante varios años.

02 de agosto del 19

02/08/2019 § Deja un comentario

En el año 1975, Hervé Poulain, famoso en Francia por sus subastas internacionales de obras de arte, decidió unir sus dos grandes pasiones, el arte y el automóvil, en una sola. Para ello, le pidió a su amigo Alexander Calder, que decorase el BMW 3.0 CSL con el iba a competir en las 24 Horas de Le Mans de ese año. Nacían así los BMW Art Cars.

BMW 3.0 CSL, 1975, por Alexander Calder: A Calder le interesaba el movimiento y al pintar sus propias líneas y formas con fuertes colores rompía con las líneas del coche. También fue el primero en crear el concepto de cuadro móvil. Alexander Calder murió el 11 de noviembre de 1976 en Nueva York, después de supervisar una gran retrospectiva sobre su obra.

BMW 3.0 CSL, 1976, por Frank Stella: Al año siguiente, Hervé Poulain volvía a correr las 24 Horas de Le Mans y lo hacía con otro 3.0 CSL decorado. Pero esta vez lo hacía contando con el apoyo de BMW. El elegido fue el artista estadounidense Frank Stella. Este artista minimalista dijo que veía su patrón como una decoración agradable. El patrón usado recuerda al del papel milimétrico extremadamente ampliado. Numerosas líneas corren a través de toda la carrocería y dejan el coche con un único y gran motivo.

BMW 320i, 1977, por Roy Lichtenstein: Usando los famosos Banday dots o los puntos de impresión usados en los cómics baratos de los años 50 y 60, es decir en los pulp comics, Liechtenstein creó un coche cuya carrocería parecía reflejar la de un paisaje que desfila a gran velocidad. El diseño muestra el paisaje a través del cual el coche es conducido, explicó el artista. Se podría decir que es una lista de todas las cosas que el coche experimenta. La diferencia es que el coche lo refleja antes de salir a la carretera. El coche terminó segundo de su categoría en las 24 Horas de Le Mans de 1977.

BMW M1 Grupo 4, 1979, por Andy Warhol: La colaboración entre Hervé Poulain y BMW para los Art Cars, prosiguió en 1979 con el M1 Grupo 4 cuando el francés volvería a correr las 24 Horas de Le Mans. Ese año, Andy Warhol se encargó de la decoración del coche. A diferencia de los anteriores artistas, que pintaban su obra sobre una maqueta para luego ser reproducida por sus asistentes en el verdadero coche, Andy Warhol pintó él mismo el M1. Usó pinceles de brocha gorda y para los detalles, sus dedos. Se dice que tardó 23 minutos en pintar el M1.

BMW 635 CSI, 1982, por Ernst Fuchs: El cupé 635 CSi no fue un formato que limitaba la expresión del artista austriaco, sino una superficie sobre la que proyectar su imaginación. En la pintura, expreso varias experiencias, miedos, deseos e imploraciones, pero también la libre creación artística, comentó Ernst Fuchs acerca del 635 CSi. Lo llamo Zorro de fuego a la caza de la liebre. Representa una liebre corriendo que cruza una autopista y pasa por encima de un coche en llamas; es el miedo original y el anhelo de superar la dimensión en la que vivimos.

BMW 635 CSI, 1986, por Robert Rauschenberg: El modelo dado, un BMW 635 CSi, al artista pop estadounidense Robert Rauschenberg es el único de los Art Cars con las especificaciones del mercado norteamericano -parachoques más prominentes y luces de laterales- Además, Rauschenberg incorporó parcialmente obras de arte clásicas, como el Hombre del Mundo de Bronzino, o la Odalisque de Jean Auguste Dominique Ingres, y las combinó con sus propias fotografías de árboles y hierba proyectadas sobre la carrocería. También fue el primero en incorporar las ruedas al diseño, que representan platos de la antigüedad.

BMW M3 Grupo A, 1989, por Ken Done: Desde el primer momento, Ken Done tuvo una visión muy clara de cómo debía decorar el M3 que le cedió el departamento de Competición de BMW Australia. Por una parte, debía expresar su fascinación por el M3, y por otra, ser típicamente australiano y reflejar la vitalidad de su tierra natal. Ken decidió optar por colores exóticos y pintó loros y peces loro, animales que, para él, comparten la belleza y la velocidad. El coche de Done simboliza a la vez dinamismo y exotismo.

BMW M3 Grupo A, 1989, por Jagamara Nelson: En 1989, BMW Motorsport Australia también cedió un M3 a otro artista australiano, Michael Jagamara Nelson. Este artista aborigen transformó un M3 negro mate en una auténtica obra de arte Papunya. Sus dibujos pueden parecer abstractos, pero los que estén familiarizados con la mitología aborigen reconocerán canguros y emús.

BMW 535i, 1990, por Matazo Kayama: Para enfatizar la elegancia del coche, Kayama aplicó una fina capa de sombra azul en algunas partes de la carrocería, de color plata. En una segunda fase utilizó técnicas clásicas japonesas, como el Kirigane o metal recortado y Arare o técnica de impresión en hoja. Cortó pequeñas hojas de palta, oro y aluminio, y las transfirió una por una a la carrocería.

BMW 730i, 1990, por César Manrique: El artista canario, que murió dos años después de crear esta emblemática obra en un trágico accidente de tráfico cerca de su casa en Lanzarote, usó colores fuertes y contrastados que parecen fluir naturalmente y converger con las líneas del coche. Para él, combina las nociones de velocidad y aerodinamismo con el concepto de la atracción estética en un solo y mismo objeto.

BMW 525i, 1991, por Esther Mahlangu: Esther Mahlangu, la primera mujer que creó un Art Car, quiso combinar el arte tradicional de su pueblo con la apariencia moderna de este BMW 525i. Un desafío que logró con maestría. Estas formas geométricas se encuentran en las casas de la tribu Ndebele. Para acostumbrarse a ese nuevo soporte, Esther no dudó en pintar primero una puerta de otro Serie 5 antes de lanzarse a la creación del primer African Art Car. Este 525i es, quizás, con el M1 de Andy Warhol, el más atemporal de los Art Cars.

BMW Z1, 1991, por A. R. Penck: Para A. R. Penck, el BMW Z1 ya era una obra de arte, expresión de la creatividad de los diseñadores e ingenieros. Para su obra, Penck se inspiró en los dibujos técnicos del Z1. El artista enfrenta la tecnicidad y modernidad del Z1 al lenguaje de los símbolos, cuya simplicidad recuerda las pinturas rupestres de la prehistoria. Sin embargo, al mismo tiempo, es un reto para el espectador, ya que, aparentemente, los símbolos, fruto de un largo proceso de abstracción, son en realidad parte de un código que hay que descifrar.

BMW M3 (E36) Superturismo, 1992, por Sandro Chia: Para Sandro Chia, este M3 no era el primer coche que pintaba. En su adolescencia ya pintaba grafitis en los automóviles. En este caso, el coche, de color blanco, parecía gritarle ¡Píntame!, ¡píntame!. Y no paró hasta cubrir toda la carrocería. Por otra parte, Sandro Chia no dejó de lado la visión social, recurrente en los artistas grafiteros, al pintar una serie de caras que observan. Y es que, para Chia, el coche es un objeto deseado. La gente lo mira detenidamente. Este coche refleja sus miradas.

BMW 850 CSi, 1995, por David Hockney: Pensé que probablemente sería una buena idea mostrar el interior del coche, comentó el artista británico. Para llevar a cabo su idea tardó siete meses. En el capó se pueden apreciar los conductos de admisión estilizados y la silueta del conductor en la puerta izquierda. En el lado derecho también se aprecian atisbos de paisajes abstractos, porque viajar en un coche significa atravesar paisajes, una idea común a muchos otros artistas de la exclusiva lista de los Art Cars.

BMW V12LMR, 1999, por Jenny Holzer: El Art Car de Jenny Holzer devuelve los Art Cars a sus raíces: las 24 Horas de Le Mans. Para el decimoquinto Art Car, la artista conceptual norteamericana basó la decoración del coche en los códigos visuales del grafismo en la competición, letras cromadas de hojas de metal reflectante y color fosforescente, aunque aparentemente sólo lleve unos cuantos mensajes que, según Jenny Holzer, probablemente nunca perderán su relevancia.

BMW H2R, 2007, por Olafur Eliasson: El proyecto de Eliasson transforma un objeto de diseño industrial avanzado en una obra de arte que refleja de forma poética la relación entre el calentamiento global y la industria del automóvil. El BMW H2R, animado por hidrógeno, fue desarrollado para conseguir récords de velocidad al mismo tiempo que sirvió para la investigación de una fuente de energía renovable.

BMW M3 GT2, 2010, por Jeff Koons: De nuevo, un Art Car de BMW vuelve a los orígenes, en más de un sentido. Este M3 GT2 decorado por Jeff Koons también compitió en las míticas 24 Horas de Le Mans. Jeff Koons es un artista norteamericano famoso por crear reproducciones en tamaño gigante de objetos moldeados con globos de ilusionista en acero inoxidable y con acabado tipo espejo. La presentación del coche se llevó a cabo en el Centro Georges Pompidou de París, uno de los mayores museos de arte moderno de Europa, el 2 de junio de 2010, como una obra de arte más. Diez días más tarde participó en las 24 Horas de Le Mans.

Fuente: BMW Art Cars.

01 de agosto del 19

01/08/2019 § Deja un comentario

Lo de comer con palillos nos sorprendió la primera vez que lo vivimos. A veces es complicado. Pero un buen chindogu a tiempo, resuelve el problema. Y si no nos creen, miren, observen, admiren y si abren la boca de sorpresa, aprovechen para comer.

31 de julio del 19

31/07/2019 § Deja un comentario

El Arco de Triunfo de París, o Arc de triomphe de l’Étoile o Arc de Triomphe, fue construido entre 1806 y 1836 por orden de Napoleón Bonaparte para conmemorar la victoria en la batalla de Austerlitz. Está situado en el VIII Distrito de París, sobre la plaza Charles de Gaulle ―antiguamente denominada plaza de la Estrella o Place de l’Étoile, rediseñada por Haussmann―, en el extremo occidental de la avenida de los Campos Elíseos, a 2,2 km de la plaza de la Concordia, ubicada en el extremo oriental de dicha avenida. Tiene una altura de 50 metros, un ancho de 45m y una profundidad de 22m. La bóveda grande mide 29,19m de alto por 14,62m de ancho, mientras que la pequeña mide 18,68m de alto por 8,44m de ancho.

Imaginen que un iluminado decide aplicar un cuerpo que ocupando la luz del arco permita el acceso entre los dos elementos verticales que como columnas sustentantes soportan la obra, icono de la ciudad. Y quizás aún peor, que las autoridades competentes permitan y autoricen la realización del proyecto.

El edificio del Banco de Santander es la sede social del citado banco, situado en el Paseo Pereda de la ciudad del mismo nombre, separado del mar por los Jardines Pereda. Es obra del arquitecto Javier González de Riancho. El edificio fue concebido entre los años 1919 y 1923 a partir de una estructura existente. En 1919 la propiedad, que entonces era un hotel, fue comprada por el Banco de Santander. En 1923 se hicieron sucesivas reformas y se agregaron esculturas y pináculos. Posteriormente se adquirieron dos casas adyacentes y el edificio empezó a funcionar como sede de la entidad, añadiéndosele la mitad izquierda en los años 50. Un problema fue que debía respetarse la calle que lo atraviesa, por lo que se adoptó la solución en arco. Actualmente es bien de interés cultural con la categoría de conjunto histórico declarado.

El Proyecto Pereda, contempla la remodelación del edificio del Banco de Santander, según un proyecto del estudio del arquitecto David Chipperfield, en un moderno museo que albergará la magnífica Colección de obras de arte de la entidad. El proyecto actúa sobre el arco para establecer una comunicación horizontal entre las alas.

La función sobre la forma es la forma correcta de entender la arquitectura y el diseño. Pero no se ha de olvidar el respeto por el patrimonio. A nuestro entender, lo que se está tratando de vender como una ventana abierta a la cultura no es sino la destrucción de la historia, cerrando la comunicación visual de la ciudad con la bahía, es decir, con el horizonte. Un atentado formal que destruye los volúmenes del arco y por tanto un icono de la ciudad y de la banca que ni Ayuntamiento, ni Colegio de arquitectos, ni Patrimonio, deberían permitir.

Fuentes: Edificio Banco de Santander & Arco de Triunfo de París.

Interesante entrevista Han convertido a los arquitectos en los seres más peligrosos para el patrimonio. Rafael Manzano, Arquitecto del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional de la Dirección General de Bellas Artes

24 de julio del 19

24/07/2019 § Deja un comentario

En japonés hay unas 20 formas de pedir perdón, y van desde una sencilla petición hasta pedir perdón por algo grave. Pedir perdón es todo un arte. Las reverencias forman parte del perdón. La reverencia japonesa, Ojigi (お辞儀), es una de las muchas muestras de respeto y humildad hacia otra persona e incluso también se hace hacia cosas. Las 5 reverencias japonesas pueden tener muchos significados en función del grado de inclinación, duración o contexto.

Reverencia de 5 grados. Un pequeño gesto con la cabeza. Es la forma más casual, pequeña y corta, y se utiliza entre amigos o si tienes más rango (social, de trabajo u otro) que la persona que tienes enfrente.

Reverencia de 15 grados: Eshaku (会釈). Se utiliza para los saludos entre iguales o entre gente que se conoce entre sí. Es similar a la anterior, pero la primera se utiliza entre gente con la que se tiene el mayor grado de confianza.

Reverencia de 30 grados: Keirei (敬礼). Aquí ya se está mostrando respeto de verdad. Se hace hacia jefes o personas de mayor rango.

Reverencia de 45 grados: Saikeirei (最敬礼). Se utiliza para pedir perdón por algo muy grave, o tal vez para reverenciarse frente al emperador.

Reverencia extrema: Dogeza (土下座), de rodillas con la cabeza tocando el suelo. Ya no se suelen ver. Este era el tipo de reverencia que hacían los samuráis frente a los daimyo —señores feudales— cuando ellos pasaban por delante.

18 de julio del 19

18/07/2019 § Deja un comentario

En una época, la actual, en la que muchos se sienten desvalidos si pierden u olvidan su móvil, gentes que ya no saben vivir sin él y que despiertan por la noche y lo miran, ha llegado su salvación: el ataúd iPhone. O quizás deberíamos llamarlo iPhaúd.

Pero no sufran, que si son de la competencia asiática y quieren irse al otro mundo con su aparato, tenemos la solución ya que los chindogus no entienden de raza o religión, país o cultura.

Pero si lo que desean, usted o sus allegados, es que lo lleven al crematorio, tenemos la urna adecuada para los adictos a la tecnología e informática. Les proponemos la urna-ratón, un bello elemento decorativo y casi funcional.

El mundo de la tecnología resuelve los problemas cotidianos y también los fundamentales de las vidas de aquellos que a ella, con pasión se entregan…

15 de julio del 19

15/07/2019 § Deja un comentario

Den Nederlandtsen Hovenier que podríamos traducir como El jardinero Holandés, es un interesante libro con casi 100 ilustraciones, publicado en Amsterdam en 1670 con información sobre jardines, sus diseños y elementos.

Den Nederlandtsen Hovenier.pdf

Como es habitual en nuestros posts, les dejamos el enlace al pdf [108.24MB] bajo la ilustración para que aquellos que estén interesados en hojear el volumen lo puedan hacer tranquilamente.

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