29 de diciembre del 19

Peter Joseph von Lindpaintner fue un compositor y director de orquesta alemán nacido el 8 de diciembre de 1791 en Koblenz. Trabajó desde 1812 hasta 1819 como director musical en el entonces recientemente fundado Isartortheater en Munich. Posteriormente fue director de la corte en Stuttgart hasta su muerte.

Cuando Felix Mendelssohn Bartholdy visitó Stuttgart en noviembre de 1831, escribió EL 15 de febrero de 1832 una carta a su maestro Carl Friedrich Zelter en la que decía. Creo que Lindpaintner es actualmente el mejor director de orquesta en Alemania, es como si estuviera tocando toda la música con su batuta.

La Orquesta de la Ópera de Stuttgart se convirtió en una de las orquestas de ópera más importantes de Alemania durante sus años. Ganó mayor fama principalmente a través de sus óperas, en particular Der Bergkönig, de 1825, Die Genueserin, de 1839 y Lichtenstein, estrenada el 26 de agosto de 1846 como Vaterländisches Festspiel para la reapertura del Teatro de la Corte de Stuttgart después de la renovación.

Puso Fausto de Goethe en música con una gran obertura, música de acto intermedio, coros, melodramas y canciones. La edición del texto fue obra de Karl Seydelmann, quien la dirigió y asumió el papel de Mephisto. La producción fue un gran éxito, estrenándose en su totalidad o en parte en Berlín, Brunswick, Kassel, Detmold y Múnich. Incluso antes de Giuseppe Verdi, Lindpainter compuso una ópera basada en los hugonotes de Meyerbeer en las Vísperas sicilianas, que se estrenó en 1843.

Como trabajos vocal, escribió varios oratorios, misas y canciones. Además, Lindpaintner compuso sinfonías, oberturas, conciertos, música de cámara, melodramas y ballets. Lindpaintner era miembro de la Logia Masónica Wilhelm zur aufgehenden Sonne en Stuttgart. Falleció en Nonnenhorn en el lago Constanza el 21 de agosto de 1856.

Fuente: Peter Joseph von Lindpaintner

22 de diciembre del 19

Philippe Gaubert, nacido en Cahors el 5 de julio de 1879, fue un director de orquesta, flautista y compositor francés, hijo de un zapatero y clarinetista aficionado que tocaba en bandas locales. En 1888 decide poner rumbo a París junto con su esposa y sus hijos para que estos pudieran convertirse en músicos profesionales.

Tres años después, cuando Philippe tenía doce años, su padre murió, por lo que Philippe tenía que ganarse la vida y la de su familia tocando el violín en un cine local. Además del violín también tocaba la flauta y el padre de Paul Taffanel, el flautista más famoso de la época lo escucha y se da cuenta de inmediato de los dones para la flauta de aquel niño. A Paul Taffanel le encantó y lo introduce en su clase del conservatorio de París, obteniendo el primer premio a los quince años.

Aun así continúa tocando el violín con Jules Garcin y toca como sustituto en el Théâtre National de l’Opéra y Taffanel lo nombra prèmiere flûte solo. Además continúa con los estudios de armonía y composición obteniendo el Premier prix de fugue et contrepoint en 1903 y el Grand Prix de Rome en 1905. En 1904, bajo los consejos de Taffanel pasa el concurso para el segundo puesto de director de la Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio.

Fue movilizado en 1914 por la guerra regresando en 1919 y sucede a André Messager a la cabeza de la société des conservatoires, puesto que ocupa hasta 1939. También fue nombrado profesor de flauta en el Conservatorio de París en 1919 hasta que en 1931 abandona el cargo, aunque ya hacía años que había abandonado la práctica de la flauta (1922), justo antes de publicar el método de flauta de Paul Taffanel en 1923.

En 1931 se hace responsable del cargo de profesor de orquesta del conservatorio que tras la muerte de Vicent d’Indy queda vacante. También fue un gran compositor. Escribió numerosas piezas para un instrumento concreto, la flauta travesera, pero también bastante música para piano y orquesta. Especializado también en ballets y sinfonías. Murió repentinamente en París en 1941

Fue nombrado caballero de la Legión de Honor en 1921, ascendiendo a oficial en 1928 y a oficial de instrucción pública en 1929. Su amigo Jean Bouzerand, periodista, consigue en 1930 que se le dedique una plaza en su ciudad natal, Cahors. En 1994 la Escuela de Música de Cahors aprueba la propuesta de su director Jean-Pierre Rodrigo y se le da el nombre de Philippe Gaubert.

Fuente: Philippe Gaubert

15 de diciembre del 19

Josef Suk fue un compositor y violinista checo nacido en Krečovice el 4 de enero de 1874. Alumno de Antonín Dvořák, se casó con una de sus hijas. Poco a poco fue apartándose de la influencia musical de su suegro para evolucionar hacia un lenguaje musical relativamente moderno. Compondrá sobre todo música sinfónica, con influencias de la música popular, como era propio de la tradición checa que nace con Bedřich Smetana. Compuso dos operas, dos sinfonías, tres poemas sinfónicos, dos oberturas y música de cámara.

Su obra más célebre es la sinfonía en cinco movimientos Azrael, compuesta bajo la impresión de la muerte de su mujer y de Antonín Dvořák, en la que los tres primeros movimientos están dedicados a Dvořák y los dos últimos a su esposa. El título Azrael alude al ángel de la muerte; toda la obra está caracterizada por su aire a la vez fúnebre, demoniaco, desesperado y resignado. El triple clímax del primer movimiento es un pasaje impresionante, con su recreación de la llamada de los trombones del Apocalipsis. Este clímax recuerda el del primer movimiento de la Sinfonía nº8 de Anton Bruckner, aunque todo parece indicar que Suk desconocía en aquel momento esta obra.

Suk se retiró en 1933, aunque continuó siendo una figura pública valiosa e inspiradora para los checos. Murió el 29 de mayo de 1935 en Benešov, Chequia. Suk es el abuelo del violinista checo Josef Suk.

Fuente: Josef Suk

08 de diciembre del 19

Compositor, pianista y Doctor con Mención Europea en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo, José Zárate, Madrid, 1972, es considerado por críticos, musicólogos e intérpretes como uno de los más significativos compositores de la actualidad artística española. Académico de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo y de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música de España, Profesor en la Universidad Rey Juan Carlos, y ex-miembro de la Junta Directiva y Consejo de Dirección de la Sociedad General de Autores y Editores, Patrono de la Fundación SGAE, Presidente del Área de Sinfónicos, así como Consejero Rector del Instituto Complutense de Ciencias Musicales.

En su faceta como musicólogo investigador destacan sus trabajos doctorales bajo la dirección de la Dra. Marta Cureses en la Universidad de Oviedo, siendo su tesis doctoral, El lenguaje pianístico en los compositores del Grupo Nueva Música la primera Tesis con Mención Europea defendida en España en el marco de los Programas de Doctorado Interuniversitario con Mención de Calidad, convirtiéndole en el primer Doctor con Mención Europea en Historia y Ciencias de la Música/Musicología de España.

Premio Roma del Ministerio de Asuntos Exteriores en 1997 y Compositor Residente de la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (2002-2004), Joven Orquesta Internacional (Festival de Murcia), Joven Orquesta Internacional (Castilla-La Mancha), Orquesta Joven de Andalucía, a lo largo de su carrera musical ha recibido Matrículas de Honor en Piano, Armonía y Composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, siendo además galardonado con diversos premios nacionales a la creación musical (San Fernando, Flora Prieto, SGAE 1996 y 1998, Frederic Mompou de Barcelona), e internacionales como: Tomás Luis de Victoria de Sevilla, Festival Internacional de Orquestas Sinfónicas de Murcia en dos ocasiones, 1997 y 1999, Valentino Bucchi de Roma, Luis de Narváez de Granada, dos Premios Europeos Chœur et Maîtrises de Cathédrales de Amiens para distintas categorías vocales, Camillo Togni de Brescia. En 2010, la 11ª edición del Concurso International de Piano «Compositores de España» de Madrid, estuvo dedicada a la figura de Zárate, ofreciendo la oportunidad de escuchar toda su producción musical para piano por gran cantidad de pianistas de todo el mundo.

Ha recibido diversos encargos para diferentes formaciones orquestales, camerísticas o solistas, destacando los realizados por la Orquesta Nacional de España-Ministerio de Cultura (INAEM), Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, Orquesta Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Joven Orquesta de Castilla-La Mancha, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (2003 y 2004), Fundación Sax Ensemble, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Orquesta de Cámara Catalana, Orquesta de Cámara del Real Conservatorio Superior de Madrid, Cuarteto de Clarinetistas Contemporáneos de Madrid, Fundación BBK Bilbao, Orquesta Sinfónica de Ciudad Real, etc., siendo su música además obligada en Concursos de Interpretación y programada en Festivales Internacionales de Música en Europa (España, Francia, Reino Unido (Festival Internacional de Edimburgo), Suiza, Italia, Alemania, Eslovaquia, Ucrania, Portugal, ….), América (EEUU, Mexico, Chile,…) o Asia (Jordania, Japón, Rusia, …), habiéndose emitido por diversos medios de comunicación (RNE, RF, RAI, … ). Las críticas periodísticas de las distintas interpretaciones o estrenos de sus obras han sido siempre muy positivas, considerándole como un compositor con una excelente trayectoria.

Entre los intérpretes de sus obras caben señalar a las orquestas: Orquesta Nacional de España (ONE), Orquesta Filarmónica de Siberia (Rusia), Orquesta de RTVE, Orquesta Hermitage de San Petersburgo (Rusia), Orquesta Sinfónica de Murcia, Orquesta Sinfónica de Extremadura, Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, Orquesta Sinfónica de la Comunidad de Madrid, Orquesta Andrés Segovia, Orquesta de Cámara Reina Sofía, Orquesta Camerata de La Mancha, Orquesta Sinfónica La Mancha, Orquesta de Cámara Catalana, Orquesta Sinfónica de Ciudad Real, Orquesta Joven de Andalucía (OJA), Joven Orquesta de Castilla-La Mancha, Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta de Cámara del Real Conservatorio de Madrid, Joven Orquesta de las Escuelas de Música del País Vasco, Orquestas Internacionales del Festival de Jóvenes de Murcia, entre otras.

Han cantado su música vocal diferentes coros nacionales e internacionales, destacando el Coro de Radio Televisión Española RTVE, Coro Sociedad Brahms de Madrid, Escolanía del Real Monasterio de El Escorial, o distintos coros de Francia, Reino Unido, Lituania, Ucrania o Eslovaquia, así como su música de cámara por grupos europeos y norteamericanos como Freon ensemble (Italia), Pittsburgh ensemble (USA), Greenwish String Quartet (Inglaterra), Grupo de cámara Finale (España), Dèdalo ensemble (Italia), Grupo Sax-ensemble (España), Grupo Cámara XXI (España), Grupo LIM (España), etc.

Como docente ha trabajado en conservatorios de Alcalá de Henares (Madrid), Superior de Badajoz y Toledo, siendo en la actualidad Profesor en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid. Como pianista ha grabado en RNE varias de sus obras, entre ellas la integral de Il bosco di Giarianno, y ofrecido conciertos en España, Francia e Italia, interesándose de este modo como intérprete en la difusión de su obra para piano y ofreciendo su visión e interpretación de la misma. Compagina así su labor pedagógica y musicológica como profesor e investigador con la interpretativa como pianista, y con la creativa en su faceta de compositor.

Fuente: José Zárate Rodríguez

24 de noviembre del 19

Félix Ibarrondo nació en Oñati, Guipúzcoa, España el 12 de junio de 1943 en una familia de tradición musical. Comenzó sus estudios musicales con su padre Antonio: solfeo y armonía. Posteriormente, mientras estudia filosofía y teología, trabajó en composición musical con Juan Cordero Castafio y piano; por este doble título, obtiene diplomas de los Conservatorios de San Sebastián y Bilbao.

En París, donde vive desde 1969, sigue las enseñanzas de Max Deutsch en los Grands Concerts de la Sorbonne así como de Henri Dutilleux y Maurice Ohana en la Ecole Normale Supérieure de Musique. Se le presenta la música electroacústica en el GRM.

Entre otros, ha obtenido el Premio Oscar Esplá, el Premio Lili Boulanger, el Premio Silver Harp en el CECA, España, el Premio SACEM Young Composer y el Premio Lili y Nadia Boulanger de la Académie Française.

Su estrecha relación con los compositores Maurice Ohana y Francisco Guerrero ha sido decisiva musical y humanamente. Su obra abundante y variada, en la que prevalece la música orquestal y vocal, es interpretada por los conjuntos e intérpretes más prestigiosos.

Fuente: Félix Ibarrondo

17 de noviembre del 19

Andreas Ludwig Wilhelm Maria Thuille (Bolzano, 30 de noviembre de 1861-Múnich, 5 de febrero de 1907), conocido como Ludwig Thuille, fue un compositor austriaco de música clásica. Thuille provenía de una familia originaria de Saboya que se había trasladado al sur del Tirol; allí, en Bolzano, ciudad austriaca hasta 1919, nacería el compositor.

Cuando perdió a sus padres en 1872 a la edad de 11 años fue a vivir con su tío padrastro en Kremsmünster, Austria. Allí cantó en el coro benedictino y estudió órgano, piano y violín. Sus habilidades musicales eran excepcionales, por lo que en 1876 la viuda del compositor Matthaus Nagiller, lo llevó a Innsbruck para una formación musical más avanzada. Allí, en el verano de 1877, conoció al joven Richard Strauss, cuya familia estaba visitando la ciudad; los dos se hicieron amigos de toda la vida. Su maestro de órgano y teoría de Innsbruck lo recomendó al distinguido compositor Josef Rheinberger en Munich, quien lo tuvo de alumno en la Hochschule für Musik und Theater München en donde se graduó con honores en 1882. Un año después se convirtió en profesor y pocos años después profesor de teoría y composición. Sus muchos alumnos incluyeron a Hermann Abendroth, Ernest Bloch, Ernst Boehe, Richard Wetz, Paul von Klenau, Rudi Stephan, Walter Braunfels, Henry Kimball Hadley y Walter R. Spalding, quien se convirtió en el jefe de la División de Música de la Universidad de Harvard, y más tarde enseñó a Leroy Anderson.

Thuille, prolífico compositor, se concentró en la música de cámara. Es recordado principalmente por su Sexteto para piano e instrumentos de viento (1886-1888), la única de sus obras que se ha mantenido en el repertorio, aunque sus primeros trabajos incluyen un concierto para piano y una sinfonía. En 1897 su ópera Theuerdank ganó el primer premio y un prestigioso estreno en un ciclo de ópera patrocinada por el Regente de Baviera, en la que Alexander von Zemlinsky quedó en segundo lugar. Su segunda ópera Lobetanz se estrenó al año siguiente en Karlsruhe y fue un éxito considerable, aunque de corta duración. También compuso una Sinfonía en fa mayor, muy elogiada por Strauss, otras cinco obras de cámara, 13 piezas corales y 78 canciones.

A pesar de su amistad con Strauss y a pesar de su dedicación al drama musical, Thuille siguió siendo un compositor bastante conservador durante su breve vida. Murió a la edad de 45 años en 1907 en Munich de insuficiencia cardíaca. Estuvo casado durante veinte años con Emma Dietl hasta su muerte. Tenían dos hijos.

Aunque descuidado como compositor, Thuille, su Harmonielehre de publicación póstuma y escrita en colaboración con Rudolf Louis, fue reeditada numerosas veces y fue muy influyente. Ampliamente empleado como parte del plan de estudios conservatorio en los países de habla alemana hasta la década de 1960, el Harmonielehre en dos volúmenes es una formulación teórica importante dedicada de manera innovadora a las prácticas de la Escuela de compositores de Munich sigue siendo uno de los pocos registros existentes que proporcionan ejemplos de esta música.

Si bien el sexteto de Thuille siempre ha conservado ciertos seguidores, varias de sus otras composiciones se han comercializado en CD solo en los últimos años: sus dos quintetos para piano, el trío para piano en mi bemol, el concierto para piano en re y la sinfonía en fa entre ellos.

Fuente: Ludwig Thuille

10 de noviembre del 19

Tomás Bretón fue un compositor y violinista español nacido en Salamanca el 29 de diciembre de 1850. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy en su ciudad natal, donde se ganó la vida tocando en pequeñas orquestas provinciales, teatros e iglesias.

A los 16 años, animado por el director Luis Rodríguez de Cepeda, quien le prometió un puesto en su orquesta, se trasladó a Madrid, donde tocó en orquestas de teatros de zarzuela y continuó su aprendizaje en el Real Conservatorio bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta. En 1872 recibió, junto con Ruperto Chapí, el primer premio de composición del Conservatorio.

Tras varios años trabajando en pequeños teatros en 1880 fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. Allí encontró tiempo para trabajar en obras más ambiciosas, como el oratorio El Apocalipsis y su ópera Los amantes de Teruel.

Contó con la protección de Guillermo Morphy, el conde de Morphy, quien le ayudó en su lucha por poner en escena Los amantes de Teruel. El estreno de esta última en el Teatro Real de Madrid le consolidó como el principal impulsor de la ópera española.

Debe destacarse además su intensa labor como director de orquesta, primero en la Unión Artístico Musical (1878-81), que él mismo fundó, como en la Sociedad de Conciertos de Madrid, principal orquesta madrileña que dirigió entre 1885 y 1891. Logró consolidar los ciclos de conciertos en Madrid con programaciones abiertas a la música española y a las novedades internacionales. En 1901 asumió la dirección del Conservatorio de Madrid, puesto que mantuvo hasta su jubilación en 1921, luchando por modernizar las enseñanzas del centro y buscando relaciones internacionales. Murió en Madrid el 2 de diciembre de 1923.

La ópera constituye el hilo conductor de la carrera de Tomás Bretón, a pesar de que su intensa actividad le llevó a otros campos, como director de orquesta, director del Conservatorio de Madrid y prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos.

No obstante, la ópera fue su verdadera obsesión y siempre tuvo sobre su mesa un libreto sobre el que trabajaba. Son muy numerosos los escritos en los que defendió la importancia de la ópera nacional, escribiendo entre 1885 y 1919 folletos, conferencias y discursos que expuso en los principales foros culturales de su época, como la Academia de Bellas Artes, Ateneo de Madrid, Círculo de Bellas Artes y el propio Conservatorio, del que fue director durante más de veinte años. En ellos insiste siempre en las mismas ideas, criticando la desidia y desinterés de las infraestructuras musicales de su época, y proponiendo opciones para solucionar el problema de la ópera nacional.

Fuente: Tomás Bretón

03 de noviembre del 19

El foxtrot es un baile de origen estadounidense suave y progresivo caracterizado por movimientos largos y continuos que fluyen a través de la pista de baile. Se baila con música de big band, generalmente vocal. Desarrollado en la década de 1910, el foxtrot alcanzó su apogeo en la década de 1930 y sigue siendo practicado hoy en día.

Su nombre significa trote del zorro y existen varias teorías acerca de su origen. Se ha argumentado que alude a las primitivas danzas negras que imitaban pasos de animales y en las que se inspiraron los primeros bailarines de foxtrot. Sin embargo, también podría deberse a la expresión normanda faux-droit.

En sus inicios, el foxtrot originalmente se bailaba en ragtime. Desde finales de los años 1910 hasta la década de 1940, el foxtrot fue el baile rápido más popular en Occidente. El vals y el tango, aunque populares, nunca superaron al foxtrot en Estados Unidos.

Cuando el rock and roll surgió por primera vez a principios de la década de 1950, las compañías discográficas no sabían qué estilo de baile sería más aplicable a la música. En particular, Decca Records etiquetó inicialmente sus lanzamientos de rock and roll como foxtrots, sobre todo Rock Around the Clock de Bill Haley and His Comets.

Desde esa grabación, según algunas estimaciones, llegó a vender más de 25 millones de copias, Rock Around the Clock podría considerarse el foxtrot de mayor venta de todos los tiempos. Hoy en día, el baile está acompañado habitualmente por la mismo música de big band a la que también se baila con swing.

Fuente y más información: Foxtrot

27 de octubre del 19

Guillaume Lekeu, nacido en Heusy, el 20 de enero de 1870 fue un compositor belga de música clásica, precursor del movimiento simbolista. Estudió piano y teoría con Alphonse Voss, director de la banda local. Se mudó a Potiers, Francia con 9 años, donde estudió violín, violonchelo y piano. Comenzó a componer muy joven, teniendo una carrera prolífica como compositor desde los 15 años. Sus primeros trabajos demuestran gran inventiva rítmica y temática.

En 1888 se mudó a París donde empezó a estudiar filosofía y fue de peregrinación a Bayreuth al año siguiente a escuchar la música de Richard Wagner. Estudió contrapunto y fuga con César Franck quien le animó a seguir componiendo desde 1889 hasta la muerte de éste un año después. Empezó entonces a estudiar fuga y orquestación con Vincent d’Indy, quien le mandó competir por el Gran Premio de Roma Belga en 1891 donde quedó segundo con la cantata Andròmede.

Eugène Ysaÿe quedó tan impactado al escuchar fragmentos de dicha obra en un concierto en Bruselas que le encargó uno de sus trabajos más famosos, la Sonata para violín que Lekeu compuso en 1892. El estreno de la obra tuvo lugar en el Círculo de los XX, un grupo de veinte pintores belgas y ese mismo año Ysaÿe dirigió la primera interpretación de Fantaisie sur deux airs populaires angevins.

Lekeu pasó 1893 escribiendo su cuarteto con piano que nunca completó. Murió de fiebre tifoidea en Angers en 1894. Su maestro D’Indy completó este cuarteto y una sonata para violonchelo.

Su obra está impregnada de la emoción y calidez de la música de Franck, y de las dos mayores influencias en su catálogo, el Beethoven tardío y Wagner. Más tarde influenciaría a Satie y a Milhaud. En Verviers se celebra un festival internacional de música clásica en su honor.

Muchas de sus obras de música de cámara fueron estrenadas en París por Armand Parent con su Cuarteto Parent. A pesar de su juventud, su obra tiene un carácter muy distintivo, aunque no pudo llegar a desarrollar todo su talento por causa de su muerte prematura.

Una de sus obras más conocidas, la Sonata para violín y piano ha sido identificada por algunos especialistas como la obra homónima que Marcel Proust atribuye al músico imaginario, Vinteuil, en su novela En busca del tiempo perdido.

Fuente: Guillaume Lekeu

20 de octubre del 19

El boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente rápido y bailable. Se caracteriza por la ejecución con la mano izquierda de determinadas figuras que están escritas en corcheas, en compases de 4/4, constituyendo así el denominado eight-to-the-bar. Usualmente se empleaban dos tipos de figuras: la denominada octava galopante, inspiradora de los bajos galopantes o walking bass, que caracterizarán después el rock and roll, así como los acordes rápidos conocidos como rocks.

A diferencia del ragtime, el boogie-woogie no sufrió nunca la influencia del repertorio pianístico europeo. Los músicos que comenzaron a forjarlo en el sur de Estados Unidos, hacia finales del siglo XIXy comienzos del XX, probablemente nunca habían escuchado a un pianista de formación clásica. No se conoce con precisión su origen, pero se supone que éste tuvo lugar en la zona del delta del Misisipi o en Texas, en los bares conocidos como barrelhouses, denominación con la que también se conoció el nuevo estilo, en donde los pianistas, que por lo general se limitaban a acompañar a los cantantes, desarrollaron una manera rápida y puramente instrumental del blues con el objetivo de hacerlo bailable.

Las facultades percutivas del piano nunca habían sido tan aprovechadas en la música pop hasta que estos inventores anónimos del boogie-woogie lograron imponer su música en medio del bullicio de los antros y crear efectos hipnóticos a través de sus ritmos rápidos, melodías repetitivas en contrapunto con bajos también repetitivos y una armonía que nunca se separaba de la tonalidad original. La básica funcionalidad del estilo y su sencillez le provocó el desprecio de los más refinados músicos de jazz, como Jelly Roll Morton, de quien se dice que se sentía ofendido si se le solicitaba la interpretación de un boogie-woogie.

Entre los primeros que testimoniaron su nacimiento se encuentran W.C. Handy, el ya mencionado Jelly Roll Morton y Clarence Williams, quienes ya habían escuchado la ejecución al piano de este estilo en los años diez o incluso antes. Williams añade, además, el nombre de quien para él fue el primer ejecutante, George W. Thomas, a quien había escuchado tocando en Houston en 1911. En efecto, las composiciones de Thomas contienen ya elementos propios del boogie-woogie: New Orleans Hop Scop Blues, compuesta y publicada en 1916, The Five’s, grabada en 1923 por la Tampa Blue Jazz Band y The Rocks, grabada por el propio autor en 1923, se cuentan entre las primeras piezas que contienen octavas galopantes.

Fuente: Boogie-woogie.