16 de agosto del 19

16/08/2019 § Deja un comentario

Iván Konstantínovich Aivazovsky, fue un importante pintor romántico bautizado como Hovhannes Aivazián, nacido en el seno de una familia armenia en el puerto de Feodosia del mar Negro, en Crimea, el 29 de julio de 1817, en donde pasó gran parte de su vida. Está considerado uno de los mejores artistas de marinas de la historia.

Tras culminar sus estudios en la Academia Imperial de las Artes, Aivazovsky viajó a Europa y vivió por un corto tiempo en Italia a principios de 1840. Posteriormente regresó a Rusia y fue contratado como el pintor principal de la Armada de Rusia. Aivazovsky estableció lazos cercanos con los militares y la élite política del Imperio Ruso, atendiendo ocasionalmente a operaciones militares.

Fue patrocinado por el estado, además de ser muy estimado durante toda su vida. El dicho merecedor del pincel de Aivazovsky, popularizado por Antón Chéjov, fue usado en Rusia para describir algo inefablemente encantador.

Siendo uno de los artistas rusos más importantes de su tiempo, Aivazovsky también fue popular fuera de Rusia. Hizo numerosas exposiciones individuales en Europa y Estados Unidos.

Durante su carrera de casi 60 años, creó cerca de 6000 obras, convirtiéndolo en uno de los artistas más prolíficos de la época. La gran mayoría de sus trabajos son marinas, pero también representó escenas de batallas, temas armenios y retratos.

La mayor parte de sus trabajos se mantienen en museos rusos, ucranianos y armenios, así como en colecciones privadas.

Falleció el 2 de mayo de 1900 en la ciudad en la que había vivido gran parte de su vida.

Fuente: Айвазовский, Иван Константинович

 

12 de agosto del 19

12/08/2019 § Deja un comentario

Comenzamos hoy la publicación de los 12 pdf del 本草図譜 o Manual ilustrado de plantas medicinales, considerado el primer libro de arte exhaustivo sobre botánica de Japón. Fue publicado a finales del período Edo y tiene un total de 92 volúmenes (los volúmenes 1-4 están incompletos) e incluye más de 1900 variedades de plantas. El autor, Iwasaki Kan’en (1786-1842), era un vasallo del sogunato. La obra contiene ilustraciones a color de especies silvestres, especies de jardín y especies importadas, con los nombres taxonómicos en los epígrafes. También incluye explicaciones biológicas y otra información. Las plantas están clasificadas y organizadas según el Honzō kōmoku, Bencao gangmu en chino, un libro chino de medicina de la dinastía Ming, del siglo XVI. Si bien, al principio, Kan’en quiso publicar toda la serie en xilografías, solo los primeros cuatro volúmenes (5-8) fueron publicados utilizando ese método en 1830. Cinco años más tarde, la obra se publicó en forma manuscrita y coloreada a mano, posiblemente debido a una falta de fondos. La serie se terminó en 1844, después de la muerte de Kan’en.

01.本草図譜.pdf

Como es habitual en nuestros posts, les dejamos el enlace al pdf [7.2MB] bajo la ilustración para que aquellos que estén interesados en hojear el volumen lo puedan hacer tranquilamente.

11 de agosto del 19

11/08/2019 § Deja un comentario

Akio Yashiro 矢代秋雄 fue un compositor japonés nacido en Tokio el 10 de septiembre de 1929.

Yashiro ingresó en la Escuela de Música de Tokio -actualmente la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio- en 1945, donde estudió composición con Saburo Moroi, Kunihiko Hashimoto, Tomojirō Ikenouchi y Akira Ifukube, y piano con Noboru Toyomasu, Leonid Kreutzer y Kiyo Kawakami.

Al terminar los cursos de posgrado en 1951, fue a Europa con Toshiro Mayuzumi para estudiar con una beca del gobierno francés en el Conservatorio de París. Allí aprendió composición y orquestación de Olivier Messiaen, Tony Oban y Nadia Boulanger. Regresó a Japón en 1956.

Recibió varios premios por sus composiciones, incluido el Octavo Premio de Música Mainichi en 1957 para el Cuarteto de Cuerdas, que había escrito mientras estudiaba en el extranjero, y el Decimosexto Premio Otaka y el Vigésimo Primer Premio Nacional de Arte en 1968 por su Concierto para piano, 1964– 1967, que fue encargado por NHK.

En 1968, Yashiro fue inicialmente profesor asistente en su Universidad. En 1974 llegó a ser catedrático. Murió repentinamente 9 de abril de 1976 de insuficiencia cardíaca a la edad de 46 años.

Fuente: Akio Yashiro

09 de agosto del 19

09/08/2019 § Deja un comentario

El gobierno australiano construyó un pozo de agua y viviendas básicas en Papunya en los años 1950 para la creciente población de las comunidades aborígenes ya establecidas en comunidades y reservas. La comunidad creció hasta las mil personas a principios de los años 1970 y pecaba de pobres condiciones de vida, problemas de salud, y tensiones entre los diferentes grupos tribales y lingüísticos.

A pesar de ello, un nuevo estilo de arte surgió en Papunya que posteriormente, ya en los años 1980, comenzó a atraer la atención nacional y posteriormente, internacional como un movimiento artístico importante.

En 1971–1972, el profesor de arte Geoffrey Bardon había animado a los aborígenes de Papunya, a poner sus sueños en lienzo. Anteriormente, estos habían sido trazados en la arena del desierto, con lo que los óleos les dio una forma permanente. Tradicionalmente los dibujos de puntos fueron utilizados para cubrir las ceremonias secretas-sagradas.

Los artistas de Tula lograron formar su propia empresa, Papunya Tula. Este hecho produjo un periodo de desilusión cuando los artistas que lo formaban fueron criticados por miembros de sus propias comunidades por haber revelado su herencia sagrada. Diseños secretos, limitados al contexto ritual de la comunidad, ahora eran exhibidos en el mercado.

Gran parte del arte aborigen que se ofrece en tiendas turísticas se remonta al estilo desarrollado en Papunya. La colección Papunya del Museo Nacional de Australia contiene más de 200 artefactos y pinturas, incluyendo ejemplos de pinturas de puntos de la década de 1970.

Fuente: Papunya & Arte aborigen australiano

04 de agosto del 19

04/08/2019 § Deja un comentario

Usko Aatos Meriläinen fue un compositor finlandés, figura clave de la música de su país, nacido el 27 de enero de 1930 en Tampere. Estudió dirección de orquesta con Leo Funtek y composición con Aarre Merikanto en la Academia Sibelius.

Meriläinen dirigió el Coro de Ópera de Finlandia de 1954 a 1956, la Orquesta de la ciudad de Kuopio de 1956 a 1957 y la Orquesta del Teatro de los Trabajadores de Tampere de 1957 a 1961.

Fue presidente de la Asociación de Compositores de Finlandia de 1981 a 1992, y creador y asesor artístico de Tampere Biennale, que comenzó en 1986. Meriläinen ganó el premio a la Mejor Música para la película Private Area de Jussi en 1963.

Meriläinen estuvo casado con la coreógrafa Ruth Matson. Murió el 12 de noviembre de 2004 y está enterrado en la colina del artista del cementerio Hietaniemi.

Fuente: Usko Meriläinen

02 de agosto del 19

02/08/2019 § Deja un comentario

En el año 1975, Hervé Poulain, famoso en Francia por sus subastas internacionales de obras de arte, decidió unir sus dos grandes pasiones, el arte y el automóvil, en una sola. Para ello, le pidió a su amigo Alexander Calder, que decorase el BMW 3.0 CSL con el iba a competir en las 24 Horas de Le Mans de ese año. Nacían así los BMW Art Cars.

BMW 3.0 CSL, 1975, por Alexander Calder: A Calder le interesaba el movimiento y al pintar sus propias líneas y formas con fuertes colores rompía con las líneas del coche. También fue el primero en crear el concepto de cuadro móvil. Alexander Calder murió el 11 de noviembre de 1976 en Nueva York, después de supervisar una gran retrospectiva sobre su obra.

BMW 3.0 CSL, 1976, por Frank Stella: Al año siguiente, Hervé Poulain volvía a correr las 24 Horas de Le Mans y lo hacía con otro 3.0 CSL decorado. Pero esta vez lo hacía contando con el apoyo de BMW. El elegido fue el artista estadounidense Frank Stella. Este artista minimalista dijo que veía su patrón como una decoración agradable. El patrón usado recuerda al del papel milimétrico extremadamente ampliado. Numerosas líneas corren a través de toda la carrocería y dejan el coche con un único y gran motivo.

BMW 320i, 1977, por Roy Lichtenstein: Usando los famosos Banday dots o los puntos de impresión usados en los cómics baratos de los años 50 y 60, es decir en los pulp comics, Liechtenstein creó un coche cuya carrocería parecía reflejar la de un paisaje que desfila a gran velocidad. El diseño muestra el paisaje a través del cual el coche es conducido, explicó el artista. Se podría decir que es una lista de todas las cosas que el coche experimenta. La diferencia es que el coche lo refleja antes de salir a la carretera. El coche terminó segundo de su categoría en las 24 Horas de Le Mans de 1977.

BMW M1 Grupo 4, 1979, por Andy Warhol: La colaboración entre Hervé Poulain y BMW para los Art Cars, prosiguió en 1979 con el M1 Grupo 4 cuando el francés volvería a correr las 24 Horas de Le Mans. Ese año, Andy Warhol se encargó de la decoración del coche. A diferencia de los anteriores artistas, que pintaban su obra sobre una maqueta para luego ser reproducida por sus asistentes en el verdadero coche, Andy Warhol pintó él mismo el M1. Usó pinceles de brocha gorda y para los detalles, sus dedos. Se dice que tardó 23 minutos en pintar el M1.

BMW 635 CSI, 1982, por Ernst Fuchs: El cupé 635 CSi no fue un formato que limitaba la expresión del artista austriaco, sino una superficie sobre la que proyectar su imaginación. En la pintura, expreso varias experiencias, miedos, deseos e imploraciones, pero también la libre creación artística, comentó Ernst Fuchs acerca del 635 CSi. Lo llamo Zorro de fuego a la caza de la liebre. Representa una liebre corriendo que cruza una autopista y pasa por encima de un coche en llamas; es el miedo original y el anhelo de superar la dimensión en la que vivimos.

BMW 635 CSI, 1986, por Robert Rauschenberg: El modelo dado, un BMW 635 CSi, al artista pop estadounidense Robert Rauschenberg es el único de los Art Cars con las especificaciones del mercado norteamericano -parachoques más prominentes y luces de laterales- Además, Rauschenberg incorporó parcialmente obras de arte clásicas, como el Hombre del Mundo de Bronzino, o la Odalisque de Jean Auguste Dominique Ingres, y las combinó con sus propias fotografías de árboles y hierba proyectadas sobre la carrocería. También fue el primero en incorporar las ruedas al diseño, que representan platos de la antigüedad.

BMW M3 Grupo A, 1989, por Ken Done: Desde el primer momento, Ken Done tuvo una visión muy clara de cómo debía decorar el M3 que le cedió el departamento de Competición de BMW Australia. Por una parte, debía expresar su fascinación por el M3, y por otra, ser típicamente australiano y reflejar la vitalidad de su tierra natal. Ken decidió optar por colores exóticos y pintó loros y peces loro, animales que, para él, comparten la belleza y la velocidad. El coche de Done simboliza a la vez dinamismo y exotismo.

BMW M3 Grupo A, 1989, por Jagamara Nelson: En 1989, BMW Motorsport Australia también cedió un M3 a otro artista australiano, Michael Jagamara Nelson. Este artista aborigen transformó un M3 negro mate en una auténtica obra de arte Papunya. Sus dibujos pueden parecer abstractos, pero los que estén familiarizados con la mitología aborigen reconocerán canguros y emús.

BMW 535i, 1990, por Matazo Kayama: Para enfatizar la elegancia del coche, Kayama aplicó una fina capa de sombra azul en algunas partes de la carrocería, de color plata. En una segunda fase utilizó técnicas clásicas japonesas, como el Kirigane o metal recortado y Arare o técnica de impresión en hoja. Cortó pequeñas hojas de palta, oro y aluminio, y las transfirió una por una a la carrocería.

BMW 730i, 1990, por César Manrique: El artista canario, que murió dos años después de crear esta emblemática obra en un trágico accidente de tráfico cerca de su casa en Lanzarote, usó colores fuertes y contrastados que parecen fluir naturalmente y converger con las líneas del coche. Para él, combina las nociones de velocidad y aerodinamismo con el concepto de la atracción estética en un solo y mismo objeto.

BMW 525i, 1991, por Esther Mahlangu: Esther Mahlangu, la primera mujer que creó un Art Car, quiso combinar el arte tradicional de su pueblo con la apariencia moderna de este BMW 525i. Un desafío que logró con maestría. Estas formas geométricas se encuentran en las casas de la tribu Ndebele. Para acostumbrarse a ese nuevo soporte, Esther no dudó en pintar primero una puerta de otro Serie 5 antes de lanzarse a la creación del primer African Art Car. Este 525i es, quizás, con el M1 de Andy Warhol, el más atemporal de los Art Cars.

BMW Z1, 1991, por A. R. Penck: Para A. R. Penck, el BMW Z1 ya era una obra de arte, expresión de la creatividad de los diseñadores e ingenieros. Para su obra, Penck se inspiró en los dibujos técnicos del Z1. El artista enfrenta la tecnicidad y modernidad del Z1 al lenguaje de los símbolos, cuya simplicidad recuerda las pinturas rupestres de la prehistoria. Sin embargo, al mismo tiempo, es un reto para el espectador, ya que, aparentemente, los símbolos, fruto de un largo proceso de abstracción, son en realidad parte de un código que hay que descifrar.

BMW M3 (E36) Superturismo, 1992, por Sandro Chia: Para Sandro Chia, este M3 no era el primer coche que pintaba. En su adolescencia ya pintaba grafitis en los automóviles. En este caso, el coche, de color blanco, parecía gritarle ¡Píntame!, ¡píntame!. Y no paró hasta cubrir toda la carrocería. Por otra parte, Sandro Chia no dejó de lado la visión social, recurrente en los artistas grafiteros, al pintar una serie de caras que observan. Y es que, para Chia, el coche es un objeto deseado. La gente lo mira detenidamente. Este coche refleja sus miradas.

BMW 850 CSi, 1995, por David Hockney: Pensé que probablemente sería una buena idea mostrar el interior del coche, comentó el artista británico. Para llevar a cabo su idea tardó siete meses. En el capó se pueden apreciar los conductos de admisión estilizados y la silueta del conductor en la puerta izquierda. En el lado derecho también se aprecian atisbos de paisajes abstractos, porque viajar en un coche significa atravesar paisajes, una idea común a muchos otros artistas de la exclusiva lista de los Art Cars.

BMW V12LMR, 1999, por Jenny Holzer: El Art Car de Jenny Holzer devuelve los Art Cars a sus raíces: las 24 Horas de Le Mans. Para el decimoquinto Art Car, la artista conceptual norteamericana basó la decoración del coche en los códigos visuales del grafismo en la competición, letras cromadas de hojas de metal reflectante y color fosforescente, aunque aparentemente sólo lleve unos cuantos mensajes que, según Jenny Holzer, probablemente nunca perderán su relevancia.

BMW H2R, 2007, por Olafur Eliasson: El proyecto de Eliasson transforma un objeto de diseño industrial avanzado en una obra de arte que refleja de forma poética la relación entre el calentamiento global y la industria del automóvil. El BMW H2R, animado por hidrógeno, fue desarrollado para conseguir récords de velocidad al mismo tiempo que sirvió para la investigación de una fuente de energía renovable.

BMW M3 GT2, 2010, por Jeff Koons: De nuevo, un Art Car de BMW vuelve a los orígenes, en más de un sentido. Este M3 GT2 decorado por Jeff Koons también compitió en las míticas 24 Horas de Le Mans. Jeff Koons es un artista norteamericano famoso por crear reproducciones en tamaño gigante de objetos moldeados con globos de ilusionista en acero inoxidable y con acabado tipo espejo. La presentación del coche se llevó a cabo en el Centro Georges Pompidou de París, uno de los mayores museos de arte moderno de Europa, el 2 de junio de 2010, como una obra de arte más. Diez días más tarde participó en las 24 Horas de Le Mans.

Fuente: BMW Art Cars.

28 de julio del 19

28/07/2019 § Deja un comentario

Josef Fiala, también conocido como Joseph Fiala, fue un compositor, oboísta, virtuoso viola da gamba, violonchelista y pedagogo, nacido el 3 de febrero de 1748 en Lochovice, Bohemia.

Comenzó su carrera profesional como oboísta al servicio de la Condesa Netolicka. En 1777 viajó a Munich para servir en la orquesta de la corte del Elector Maximilian Joseph.

Ese mismo año, Wolfgang Amadeus Mozart quedó impresionado por la orquesta de viento de Fiala y le ayudó a obtener un cargo tras de la muerte del Elector.

En 1785, Fiala fue a Viena y en 1786 a San Petersburgo, donde trabajó en la corte de Catalina la Grande. En 1790 viajó a Prusia, donde se desempeñó como instrumentista de viola da gamba en la corte de Friedrich Wilhelm II.

Finalmente, en 1792 llegó a ser el Kapellmeister en Donaueschingen, donde pasó el resto de su vida. Murió el 31 de julio de 1816

Fiala escribió un concierto para viola da gamba, un concierto en si bemol mayor para oboe y orquesta, varios bailes, composiciones de cámara y sinfonías, así como un concierto para corno inglés, transcrito de una obra original para viola da gamba.

Fuente: Josef Fiala.

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